포인트 카운터 포인트 Point Counter Point

포인트 카운터 포인트 – 공간의 대위법

점이 맺힌다. 빈 도화지 위에 첫 번째 붓 자국이 닿고, 펜촉이 모눈의 도면 위에 만나며, 화면 속의 커서가 처음 클릭하는 순간처럼. 규격의 각목이 전시장의 바닥에 놓이고, 한 줄의 철사가 천정에 묶인 매듭이 하나의 점이 되면 이로부터 파생된 관계들이 작품을 구축한다. 점들은 선으로 이어져 공간을 가르고, 선은 여러 겹으로 쌓여 부피를 만들면서 형태를 이룬다. 이렇게 연결된 점들을 줌 아웃하여 바라보면 이는 또한 입장(position)으로 읽힌다. 이 입장은 공간에 대응하고, 이웃한 다른 작업에 대응하며, 층을 달리하는 다른 작업에 대응하고 무엇보다 작품을 응시하는 관객에 대응한다.

《포인트 카운터 포인트》의 다섯 명의 참여작가 김동희, 김민애, 오종, 이수성, 최고은은 아트선재센터 2, 3층 전시장의 공간 형태와 맥락을 조형의 재료이자 출발점으로 삼아 작업을 전개한다. 작가들은 전시장의 형태에 반응하거나, 건축의 구성 요소와 재료를 참조하여 사용하고, 시점, 거리, 크기의 변화를 통해 공간에 대한 인지에 반전을 시도하는 등 공간에 대응하는 각자의 관점에 기반을 둔 다양한 조형적 시도를 보여준다.

형체와 질량을 가진 조각에 있어 공간은 기본조건이다. 공간은 이 매체에 있어 공기 같은 것이라, 여기에 주목한다는 것은 당연하고 새삼스러운 것일는지 모른다. 화이트큐브가 하나의 규범이 된 현재의 전시장의 모습이 형성되고, 조각이 좌대에서 내려와 자리를 잡으면서 공간은 단지 작업의 배경이 아니라 작업의 내용과 형식을 구성하는 요소가 된 것은 이미 오래된 일이다. 그러나 현재 활발히 작업을 전개하는 30대의 작가들 사이에서 작업과 공간과의 관계를 더욱 거시적으로 확장한 시도들을 발견할 수 있다. 이 전시는 최근의 조각, 설치에 있어 공간에 대해 적극적인 반응과 해석을 보여온 작가들을 초대하여, 이들이 어떤 관점으로 공간과 조형의 관계를 다시 묻고 또 새로운 시도를 전개하는지를 소개한다. 이들은 작업이 놓이는 공간이 작업과 어떻게 조화를 이루는가를 넘어서 작업이 공간에 어떤 문제를 일으키는지, 외형으로는 보이지 않는 공간의 맥락을 어떻게 활용하는지, 특정 장소가 조각과 설치의 형태와 성격을 어떻게 결정하고, 또한 반대로 조각과 설치가 공간의 형태와 성격을 어떻게 변형시키는지에 주목한다. 이러한 다양한 관점들에서 파생된 작업은 목재, 유리 등 실내외 건축의 재료를 주로 사용하고, 그 형태는 미술 작품과 건축의 일부분 그리고 기능을 가진 사물의 사이에 위치한다. 공간의 외부에서 발생한 사건을 제시하지 않고 이야기가 발생할만한 구체적인 사물의 재현도 없는 최소한의 담담한 형태들은 부가적인 서사의 배제를 통해 작가들이 공간에 대응하는 태도만을 부각한다.

아트선재센터의 2, 3층 전시장은 작가들의 작업의 재료로 제공된다. 각각 약 450㎡의 면적을 가진 2, 3층 전시장은 사분원의 형태를 가지고 있다. 이는 미술관이 설계되었을 당시의 대지의 모습을 따라 만들어진 것으로, 2015년까지 이 형태가 미술관의 로고에도 활용되었을 만큼 미술관의 상징이 되었다. 전시장 내부의 곡면을 따라 노출된 둥근 기둥들 역시 이 공간의 특징으로 1998년 미술관이 개관한 이래 지난 이십 년간 이곳에서 개최된 수많은 전시들은 항상 이 곡면과 기둥을 염두에 두고 만들어졌다. 공간의 형태뿐 아니라, 미술관이라는 공간의 용도적 맥락과 지난 전시들의 기억 역시 이곳의 성격을 규정한다. 수많은 전시가 나타났다 사라졌던 겹겹의 경험, 그리고 작가들 각자에게 남아있는 이 공간을 경험했던 기억들은 개별 작업의 지지체로 작동하게 된다.

전시의 제목 《포인트 카운터 포인트》는 둘 이상의 독립적인 선율을 함께 배치하는 작곡법을 뜻하는 대위법(counterpoint)의 어원이 되는 구문으로 ‘점 대 점’, 즉 ‘음표 대 음표’를 뜻한다. 이 용어는 가능한 여러 대응의 관계들로 이뤄진 구조의 설명을 통해 전시를 독립적인 선율들의 병치로 읽는 감상의 경험을 설명하기 위해 가져왔다. 작업과 공간 사이, 작업과 작업 사이, 그리고 층과 층 사이에서 발생하는 참조, 반복, 전개의 과정들은 대위법이 작동할 때처럼 전시를 긴장과 리듬의 구조로 이끈다.

작가소개

김동희 Donghee Kim (b. 1986)
김동희는 서울에서 거주하며 활동하고 있다. 주로 환경의 변화와 그에 대응하는 방법을 수행적인 방식으로 접근해왔다. 최근에는 여러 공간들을 탐색하고 그 공간에 불특정한 사건들을 발생시켰다. 일시적인 공간을 기점으로 통과하고 연결되는 사건들에 중점을 둔다. «프리홈 프로젝트»(2011–2014), «6–3반»(2012), «나열된 계층의 집 (2014), «오페라 코스트»(2015–2016), «23층»(2016), «아시바비젼»(2016), «웨스트 웨어하우스»(2016) 등의 일시적 부유 공간을 기획/운영 하였고, 시청각에서 개인전 «3 Volumes» (2017)를 열었다.

김민애 Minae Kim (b. 1981)
김민애는 조각과 설치를 통해 자기 고백적 이야기를 외부의 공간과 사회로 확장하며, 익숙한 환경 혹은 제도 안팎에서 겪는 모순과 부조리에 대해 질문한다. 대학에서 조소를 전공하였고, «조건부 드로잉» (두산갤러리 뉴욕, 2015), «검은, 분홍 공» (두산갤러리 서울, 2014), «습관에 관한 소고» (하다컨템포러리, 런던 2013), «익명풍경» (관훈갤러리, 서울 2008) 등의 개인전을 가졌다. 현재 서울에서 활동하고 있다.

오종 Jong Oh (b. 1981)
오종은 실내 공간을 기반으로 장소 특정적인 설치 작업을 한다. 실, 나무 막대, 쇠막대, 낚싯줄, 연필선 등 매우 단순하고 선적인 재료들을 이용하여 공간에 즉흥적으로 반응하는 건축적인 구조물을 설치한다. 공간은 작품의 크기, 모양, 한계를 결정하고, 작품은 제한된 공간 안에서 조심스럽게 구축된다. 중력, 빛, 그림자도 작업의 필수적인 요소들이다. 아슬아슬하게 균형 잡은 오브제들과 허공을 가로지르는 실의 장력은 전시 공간의 팽팽한 긴장감을 조성한다. 오종은 홍익대학교 조소과에서 학사와 뉴욕 스쿨오브비주얼아트에서 석사를 마쳤다. 마크스트라우스 갤러리(뉴욕), 요한헴펠 갤러리(베를린), 마르소 갤러리(멕시코 시티), 사브리나암라니 갤러리(마드리드) 등에서 개인전을 개최하였고, 브릭(뉴욕), 갤러리 팩토리(서울), 워싱턴 문화원(워싱턴 디시), 두산 갤러리(뉴욕) 등 다수의 그룹전에 참여했다.

이수성 Soosung Lee (b. 1985)
이수성은 1985년 성남에서 태어났다. 설치와 조각 작업으로 서울에서 활동한다. 개인전 «Bachelor Party» (시청각, 2014) 및 기획전 «여덟 작업, 작가소장» (시청각, 2017), «막후극» (인사미술공간, 2015), «랜덤 액세스» (백남준아트센터, 2015), «4회 안양공공예술프로젝트» (안양, 2013), «이상X뒤샹» (한국현대문학관, 2013), «끈질긴 후렴» (백남준아트센터, 2013), «픽션워크» (국립현대미술관, 2012) 등에 참여했다. 2013년부터 비유유피라는 이름으로 전시디자인을 부업으로 하고있다.

최고은 Goeun Choi (b. 1985)
서울대학교 및 동대학원 조소과를 졸업했다. 개인전 «TORSO» (김종영미술관, 2016)를 진행했다. «두 번째» (ONE & J. +1, 2018), 2017 서울 포커스 «25.7» (서울시립미술관 북서울, 2017), «LOTUS LAND» (국립아시아문화전당, 2017), «사물들: 조각적 시도» (두산갤러리 서울, 2017), «SILKY NAVY SKIN» (인사미술공간, 2016) 등에 참여했다.

전시 연계 퍼포먼스

류한길 <SocioFrequency : [-1(1)]>
2018년 3월 17일 (토) 5pm
아트선재센터 2F, 3F

권병준 <층간>
2018년 4월 7일 (토) 5pm
아트선재센터 2F, 3F
* 별도로 참가 신청을 받지 않습니다.

주최: 아트선재센터
출처: 아트선재센터