한불수교 130주년 기념 서울시립미술관-팔레드도쿄 교류전 : 도시괴담

서울시립미술관은 한불수교 130주년을 맞아 팔레 드 도쿄와 함께 진행한 교류 프로젝트의 결과 전시 <도시괴담>을 서소문 본관 3층 프로젝트 갤러리에서 4월 5일부터 5월 29일까지  선보인다. 

이 프로젝트는 양 기관 산하 레지던시의 협업으로 레지던시, 워크숍, 전시 등 다양한 프로그램으로 진행됐다. 작가들에게 새로운 창작 환경을 제공하고, 서로 다른 미술 현장을 교류한다는 목적으로 기획된 이 프로젝트는, 2015년 11월부터 파리 파비옹에서의 리서치로 출발하여 3월 19일부터 3주간 진행하는 서울 워크숍으로 이어지며, 약 5개월에 걸쳐 조사하고 실험한 결과를 서울시립미술관에서 전시한다.

참여 작가는 난지미술창작스튜디오 입주 작가 김아영을 포함하여 루 림, 알렉시 기예르, 앙주 레치아, 오엘 뒤에, 올리 파머, 장-알랭 코르, 7명의 글로벌한 작가들로 성별, 국적, 문화권의 경계를 넘나든다. 서로 다른 배경을 가진 이들은 서울과 파리 양 도시에서 체득한 경험을 바탕으로 상상력 충만한 창작활동을 펼친다. 두 도시의 물리적 거리와 정신적, 문화적 차이, 언어의 장벽 등 제한된 조건과 환경이 낳는 엇나간 해석과 오해, 단절을 생산적 오독으로 통찰하며 유쾌하고 환상적인 자신만의 괴담을 생산한다. 

새로운 환경을 마주하는 과정에서 발생하는 오차와 오독의 조각들로 그려진 <도시괴담>을 통해 익숙한 현실을 바라보는 또 다른 시선을 마주할 수 있기를 기대한다.

담당 큐레이터 : 박가희(서울시립미술관) & 파비앙 다네시(파비옹)

주최 : 서울시립미술관, 팔레드도쿄, 난지미술창작스튜디오, 파비옹 리서치 랩

후원 : 2015-2016 한-불상호교류의 해 공식인증사업

“매일 밤 쌍둥이 빌딩이 부활한다.”

앙주 레치아, 트윈 타워 Twin Towers, 2016, video-loop ⓒ김상태

연기처럼 움직이는 뿌연 구름 사이로 익숙한 건물이 보인다. 이 영상은 1986년 작가가 뉴욕 개인전 준비를 위해 이동하던 중 비행기에서 촬영한 쌍둥이 빌딩의 모습이다. 911 이후 다른 의미가 된 이 빌딩이 여전히 맨해튼 한가운데 우뚝 서 있는 모습은, 건물이 부활하여 당시 무성했던 소문과 망상을 불러일으키는 듯한 불편한 감정을 자아낸다. <트윈 타워>는 특정한 어느 도시를 재현하기보다, 현실에 의식과 염원을 투사할 때 만들어지는 오차와 충돌을 은유한다. 매일 밤 부활하는 쌍둥이 빌딩은 우리가 믿고 싶은 현실로서, 현실과 상상의 경계에서 만들어진 다른 작품(괴담)들 속으로 진입하는 입구와도 같다. 

앙주 레치아 Ange Leccia (1952, 프랑스)

앙주 레치아는 2002년 팔레드도쿄의 개관과 함께 작가들을 위한 리서치 랩 파비옹을 고안하였으며, 현재까지 디렉터로 활동하고 있다. 또한 레치아는 작가로서 프랑스 국내외의 개인전과 단체전에 참여하였으며, 주요 전시로는 파리현대미술관과 퐁피두센터, 그르노블 국립현대미술관, 휴스턴 현대미술관, 뉴욕 구겐하임 미술관, 카셀 도쿠멘타 등이 있다.

“매일 12시 45분, 미술관 정원에는 정체를 알 수 없는 목소리가 울려 퍼진다.”

김아영 (조현화 작곡), 우현으로 키를 돌려라, 2016, Sound installation 

and live voice performances of 6 people, Approx. 5min and 10min ⓒ김상태

미술관 안팎에서 간헐적으로 목소리가 들려온다. 이 목소리는 프로젝트를 시작할 당시 작가가 서울과 파리에서 목격한, 서로 다른 방식으로 출몰했던 재난을 담는다. 작가는 현대사회의 불가피한 재난의 원형을 탐구하는 요소로써 인류 공통의 고대 대홍수 서사와 파리 오페라 극장인 팔레 가르니에의 건축 역사에 공통으로 등장하는 범람하는 물, 그리고 방수를 위해 사용하는 ‘역청’에 주목했다. 

<우현으로 키를 돌려라>는 음악가 조현화와의 협업으로 완성됐다. 신화와 전설이 원형을 반복, 변주하면서 확산하는 구조에 착안하여 주문의 반복적 포뮬러를 노래 가사와 음악 구조에 대입했고, 팔레 가르니에와 방주를 상징하는 가상의 배는 미술관 공간에 실현된다. 공간 구조는 곧 음악의 구조를 지시하며, 시공을 초월해 전해 내려왔거나 매복하고 있던 사건/서사의 줄기들은 노래 가사가 되어 가상의 선박 내부가 된 미술관 공간에 울려 퍼진다. 염원과 체념을 동시에 담는 이 주문의 목소리는 반복과 변형을 거치며 현대의 전설처럼 공감하는 사람들 사이에서 입과 입을 통해 퍼져나가 우리의 삶과 현실을 떠돌 것이다.

김아영 Ayoung Kim (1979, 한국) 

김아영은 2015년 제56회 베니스 비엔날레 본전시에 참여했고, 2011년 한국문화예술위원회의 후원으로 베를린 퀸스틀러하우스 베타니엔 작가 레지던시에 입주했다. 2010년 로열 아카데미 오브 아트에서 브리티시 인스티튜션 어워드를 수상했고, 2009~2010년 서울문화재단에서 기획 프로젝트 기금을 수상한 바 있다. 작가는 퀸스틀러하우스 베타니엔, 뉴욕의 MAD, 브라질 리우데자네이루 근대미술관(MAM), 런던의 176/ 자블루도비치 컬렉션, 로열 아카데미 오브 아트, 사치 갤러리, 헝가리의 쿤스트할레 부다페스트, 서울시립미술관, 삼성미술관 리움, 독일 다름슈태터 타게 데어 포토그라피(Darmstädter Tage der Fotografie), 글라스고 스트리트 레벨 등에서 전시를 열었다.

“캔디맨의 이름을 다섯 번 부르면, 그가 등 뒤에서 나타나 갈고리로 자신을 부른 사람을 죽인다.”

알렉시 기예르, 캔디맨, 2016, books, a poster, an interview video ⓒ김상태

알렉시 기예르는 도시괴담의 전형인 미국의 공포물 ‘캔디맨’의 원작을 중심으로 조금씩 다른 방식으로 여러 도시에 등장하는 캔디맨을 연구해왔다. 특히 이번 프로젝트를 준비하며 최근 서울에서 퍼지기 시작한 ‘캔디맨’ 괴담과 출몰 소식을 접하게 됐고, 이번 전시를 맞아 지금까지의 연구를 집대성한 책과 강연을 준비했다. 전시장에는 도시괴담, 이를 둘러싼 일반적인 믿음-두려움, 허구-현실의 관계에 관한 담론을 담은 기예르의 서적, 4월 6일의 강연을 홍보하는 포스터, 그리고 강연 후 모 매체와의 인터뷰 영상을 선보인다. 미술관 밖에서는 강연 전 상영관 이벤트와 전화 이벤트 등을 진행했다. 이로써 <캔디맨>은 믿음을 기반으로 생산, 유포되는 괴담을 둘러싼 여러 영향을 탐구한다. 

알렉시 기예르 Alexis Guillier (1982, 프랑스)

알렉시 기예르는 도식의 회합이나 매우 다양한 형식의 자료를 기반으로 일련의 서사를 모으는 형태로 글과 영상, 설치물을 만든다. 작가는 실제와 상상 사이에서 사적인 허구와 집단적 이야기들의 상호작용과 이처럼 상이한 범주 사이에 나타나는 틈과 전환을 탐색한다. 벨리지 롱드(2015), 샤또 니에(2014), 벨뷔유 비엔날레(2014), BAL(2014), 캐나다 방프 월터 필립스 갤러리(2013), 맥발(2013), 베통살롱(2012), 리카드 재단(2012), 팔레드도쿄(2012, 2010), 제네바 CAC, 피아노 노빌레(2011), 104(2010), 퐁피두센터(2010), 파리 비트린느(2009) 등에서 개인전과 콘퍼런스를 가졌다. 몬드리안과 ‘아트레스 콘퍼런스’를 위해 작성한 M 전문은 BAT에서 출판되었다. 

“심해에 사는 해파리는 해저에 묻힌 UC-98 전선을 갉아 먹고 살면서 정보를 왜곡한다.”

오엘 뒤레, UC-98 Soft & flat (Seoul) #2, 2016, printed canvases, acrylic painting, 48" flatscreen, 4'47" video, variable dimensions ⓒ김상태

초점이 무너진 배경, 부유하는 형광색 선과 면, 추상적인 표면 위로 확대된 수산물들이 모니터에 등장한다. 주로 시나리오 쓰기를 기반으로 연작 구조의 창작 활동을 해온 오엘 뒤레는 서울을 조사하면서 인터넷에서 접한 한국 근대사의 급격한 성장과 디지털 정보에 둘러싸여 빠르게 돌아가는 서울을 비유하는 이야기(서사)를 떠올린다. 이야기의 주인공 해파리는 인터넷 데이터를 전달하는 심해의 해저 광학 섬유 케이블 UC-98에 갇혀 케이블에 흐르는 빛을 자기 몸에 투과하며 정보를 왜곡하고 전달을 방해한다. 우스꽝스러운 이 이야기는 비물질적이고 유동적인 정보에 둘러싸여 빠르게 변화하는 도시 속 우리의 모습을 돌아보게 한다.

오엘 뒤레 Hoёl Duret (1988, 프랑스)

낭트와 파리를 오가며 작업하는 오엘 뒤레는 2011년 낭트 에꼴 데 보자르에서 석사학위를 받았으며, 2012년 뮐하우스 비엔날레에서 젊은 디자이너 상을, 2014년 낭트시 시각예술상과 베이징에서 이슈8을 수상했다. 그는 뮐루즈 비엔날레(파리, 2012), 페이 드 라 루아르 FRAC(카흐끄푸, 2013), 카스틸로/코(파리, 2014), 모스키토 코스트 팩토리(깡봉, 2014), 주 갤러리 (낭뜨, 2014), 파크 라이프 갤러리(샌프란시스코, 2015), 뮐루즈 시립미술관(뮐루즈, 2015), 루프 아트 페어(바르셀로나, 2015), Yishu 8 아트 스페이스(베이징, 2015), 로엘 드 푸아송 아트센터(퀘백, 2015), 갤러리 토리(파리, 2016) 등에서 개인전을 열었다. 

“당신은 이 그릇을 먹을 수도, 그릇에 먹힐 수도 있습니다. 어느 쪽이든 마찬가지지만.”

루 림, 아직은 연약한 것 a frail likeness yet, 2016 Photo by Justine Emard

기이한 그릇 형상의 조각 <아직은 연약한 것>은 담는 것인 동시에 담기는 것이라는 양가성을 갖는다. 작가는 빵과 그릇의 표면을 치환했고, 그 결과 먹히는 것(빵)과 먹는 것(그릇)을 동시에 제안한다. 사회와 문화의 기호로서의 음식 ‘빵’은 마치 작가 자신이 새로운 환경을 마주하며 그 문화와 사람과의 접촉을 통해 다양한 요소들을 흡수하면서도, 다시 거기에 영향을 주는 상태를 비유한다. 즉 ‘우리가 먹는 것은 곧 우리 자신이다’라는 의미를 표현한 것이기도 하다. 이는 작가가 새로운 환경에 놓였을 때 취했던 방식과 같이 다른 작품들 사이에 놓여 그들과 대화를 시도하고, 서로를 잇고, 영향을 주고받으며 빵이 되기도, 그릇이 되기도 한다. 

루 림 Lou Lim (1989, 필리핀)

필리핀 국립대학교에서 회화를 전공했다. 그의 작업은 주로 개인 간, 그리고 사물과 시각적 이미지 간의 관계와 연결, 맥락, 그리고 이러한 관계들이 설명하는 것과 관련된다. 작가는 익숙한 것에 새로운 맥락을 부여하고, 그것이 은연중에 무엇을 의미하는지 한 발 더 들여다보기 위해 표면과 관계한다. 이처럼 그는 배후를 암시하는 표면의 특징에 관심이 있다. 사물의 표면을 바꾸거나 익숙한 맥락으로부터 들어내어 다른 맥락에 위치시켜서 비교, 대조하거나, 간극을 좀 더 들여다 볼 수 있는 환경과 그들 간의 연결을 마련하고 파고든다. 2011년부터 필리핀 마닐라에서 활발하게 단체전에 참여했으며, 현재 파리의 팔레드도쿄 주관 파비옹 뇌플리즈 오베세 레지던시 프로그램에 참여 중이다.

“S사에서 제조한 식기세척기에서 신체 모양의 무언가가 발견됐다.”

장-알랭 코르, muscle up, 2016, dishwasher, banana bags, shell, shoes ⓒ김상태

벽을 뚫고 나간 식기세척기와 신체 모양의 오브제로 찬 내부. 장-알랭 코르는 주로 자신을 둘러싼 환경에서 영감을 얻는다. 여러 참조를 엮어 자신의 세계를 상징하는 기호를 글이나 조각으로 뿌려놓고, 그들(글이나 조각) 사이에서 설명 없이 무언가가 발생하기를 기대한다. 

<muscle up>은 한국을 상상하며 떠올린 즉흥적이고 단선적인 요소와 현장(서울)에서 자신의 시선을 끈 것을 직관적으로 엮은 설치작이다. 그에게 한국을 대표하는 이미지는 S사였다. 이 단순한 이유로 그는 이 제조사의 식기세척기를 작품의 주재료로 고집했고, 프랑스에서는 일반적이지만 한국에서는 비교적 사용이 드문 식기세척기를 서울에서 단기간에 구하는 것도 무척 힘들었다. 어긋난 선택과 몰이해에서 완성된 이 작품은 단순하지만 가장 명징하게 이 프로젝트를 설명한다. 

장-알랭 코르 Jean-Alain Corre (1981, 프랑스)

장-알랭 코르는 2008년에 공장에서 임시직으로 일하면서 RKO(Radio Keith Orpheum, 미국의 영화사)의 영상을 접했고, 2009년부터 2014까지 음악가들과 함께 생활했다. 이런 경험이 작품 활동에 큰 영향을 끼쳤다. 공장에서 일한 경험을 바탕으로 첫 번째 ‘조니’ 에피소드를 선보였고 2012년에는 파리 리옹의 《뉘 소노레 페스티벌》에서 그룹 마망 브리짓과 함께 인더스트리얼 크라우트록 콘서트를 열었다. 2013년 「그라치아」의 표지에 실린 끌로에 노르가드의 머리카락 색에 영감을 받아 과슈로 작업하기 시작했다. 《리옹 페스티벌》에서 ‘라우트레코 칠로모’ 라는 물담배 바를 열었고 이때 <메트로 본디지>를 작업하기 시작했다. 

“우리가 사는 세상은 거대한 프로젝터가 투사한 가상-이미지로 이뤄진 세계다.”

올리 파머, 그물망/연결 Network/intersect, 2016, 8 min film across 2 screens ⓒ Ollie Palmer

어딘지 어색하지만 낯익은 배경에 두 명의 인물이 등장한다. 신문 기사와 소설에서 영감을 받아 창조한 허상의 왕국을 지배하는 자본가 ‘M’과 댓글 부대를 연상시키는 평범한 인물 ‘W’. 매우 다른 삶처럼 보이지만, 두 인물은 자기가 구축한 거짓된 가상 세계를 살고 있다는 공통점을 갖는다. 이들의 삶은 때때로 병치 되거나 교차한다. 작가는 자신이 경험하지 않은 서울을 인터넷과 이차 경험을 통해 접한 상투적인 이미지와 어긋난 단상으로 재현한다. 이는 영상 속 인물들이 자기 세계를 구축하는 방식과 같다. 이로써 작가는 현대의 정보 생산과 유통 과정에서 드러나는 정치성과 권력을 비평적으로 바라본다. 

올리 파머 Ollie Palmer (1986, 영국)

런던에 기반을 둔 디자이너이자 작가이다. 그의 최근 작업은 “인간과 기계 속의 부조리”, 즉 부조리 주의 철학과 기술 속 기계주의를 바탕으로 한 박사 과정의 연구에서 출발하는 일련의 설치와 영상이다. 디자인 작업 외에도 전 세계를 혼자 여행하면서 히치하이크로 아이슬란드를 횡단했으며, 아마존 밀림에서 IT를 가르치는 디자인 프로젝트를 진행했고 간혹 개미를 이용한 프로젝트를 펼치기도 했다. UCL 바틀릿 건축학교의 인터렉티브 건축 연구소와 AA에 출강했다. 현재는 영국 예술인문연구회의 지원으로 디자인 박사 과정을 밟고 있다.

출처 - 서울시립미술관