미래의 기억들 Memories of the Future

그간 한국과 외국, 고미술과 현대미술을 아우르는 다양한 전시들을 기획해 온 삼성미술관 Leeum은 2010년 현대미술 기획전 <미래의 기억들>을 개최한다. 한국 작가 6명, 외국 작가 5명이 참여한 이번 전시는 현대미술의 여러 양상들을 조명하는 전시로, Leeum의 기획전 공간인 그라운드 갤러리 뿐만 아니라 미술과 내외부로 전시 공간을 넓힘으로써 미술의 개념의 공간의 확장을 시도하고 있다. 

과거 미술은 회화나 조각 등과 같이 고정된 형식과 주제를 가지고 있었다. 그러나 1910년대 마르셀 뒤샹의 "레디 메이드" 출현 이후 1960년대에 팝아트, 개념미술, 플럭서스 등으로 이어지면서 새로운 미술의 내용과 형태가 등장하게 되었다. 이번 전시의 제목이자 참여 작가인 로랑 그라소 (Laurent Grasso)의 작품이기도 한 <미래의 기억들>은 과거에는 불가능하다고 여겨졌던 미술의 영역을 탐구하고자 하는 현대미술을 상징하고 있다. 

이번 <미래의 기억들> 전은 경계를 넘어 무한히 확장되어 가는 현대미술의 새로운 의미를 생각하게 할 뿐만 아니라, 관객이 예술작품, 작가, 그리고 전시공간과 적극적으로 소통하고 참여함으로써 현대미술을 보다 친근하게 경험하고 이해할 수 있는 기회가 될 것으로 기대된다.

그간 한국과 외국, 고미술과 현대미술을 아우르는 다양한 전시들을 기획해 온 삼성미술관 Leeum은 2010년 현대미술 기획전 ,미래의 기억들,을 개최한다. 한국 작가 6명, 외국 작가 5명이 참여한 이번 전시는 현대미술의 여러 양상들을 조명하는 전시로, Leeum의 기획전 공간인 그라운드 갤러리 뿐만 아니라 미술과 내외부로 전시 공간을 넓힘으로써 미술의 개념의 공간의 확장을 시도하고 있다. 과거 미술은 회화나 조각 등과 같이 고정된 형식과 주제를 가지고 있었다. 그러나 1910년대 마르셀 뒤샹의 ,레디 메이드, 출현 이후 1960년대에 팝아트, 개념미술, 플럭서스 등으로 이어지면서 새로운 미술의 내용과 형태가 등장하게 되었다. 이번 전시의 제목이자 참여 작가인 로랑 그라소의 작품이기도 한 ,미래의 기억들,은 과거에는 불가능하다고 여겨졌던 미술의 영역을 탐구하고자 하는 현대미술을 상징하고 있다. 이번 ,미래의 기억들, 전은 경계를 넘어 무한히 확장되어 가는 현대미술의 새로운 의미를 생각하게 할 뿐만 아니라, 관객이 예술작품, 작가, 그리고 전시공간과 적극적으로 소통하고 참여함으로써 현대미술을 보다 친근하게 경험하고 이해할 수 있는 기회가 될 것으로 기대된다.

곽선경, Sun K. Kwak

공업용 테이프를 재료로 거대한 공간 드로잉 작업을 하는 곽선경은 뉴욕을 중심으로 활동중이다. 먹선을 연상시키는 검은색의 유기적인 선이 공간 전체를 캔버스 삼아 즉흥적으로 뻗어 나가는 그의 드로잉은 작가 신체의 움직임을 온전하게 반영하는 한편 입체적인 건축물을 제약 없이 넘나든다. 이번 전시에 선보이는 <공간 통합_리움 Untying Space_Leeum>은 블랙박스에서 그라운드 갤러리로 이어지는 공간을 사용하여 역동적으로 움직이는 그의 작업을 효과적으로 담아 낸다. 지하 전시장으로 향하는 에스컬레이터를 사이에 두고 측면의 벽과 천장에서 서로를 투영하며 펼쳐지는 입체적인 공간 드로잉은 차가운 콘크리트 건축물에 생명을 불어넣었다. 

전시가 끝난 후에 흔적도 없이 사라질 그의 작업들은 꿈틀대는 듯한 드로잉으로 채워졌다가 다시 빈 공간으로 돌아오게 되는데 이는 생명의 덧없음을 상징한다. 빈 공간에 존재했던 그의 작품은 감상자의 기억의 흔적으로만 남게 된다. 

권오상, Osang Gwon

권오상은 실제 인물을 사진으로 찍어 그것을 다시 입체로 만들어 내는 작업을 한다. '가벼운 조각'을 만들고자 하였던 그의 작품은 사진 인화지로 만들어진 표피와 조각의 형태를 유지하기 위한 가벼운 구조물로 이루어진 '사진-조각'이다. 이번 전시의 출품작은 뜻밖의 장소에서 비전통적인 방식으로 전시된다. 금방이라도 아래로 떨어질 것 같은 블랙박스 위의 조각을 지나 전시장으로 내려오면 낮은 좌대 위나 바닥에 여러 가지 포즈를 취한 채 놓인 조각들 사이를 실제로 걸어다니면서 현실과 유리된 작품이 아닌, 자신과 같은 시간에 존재하는 조각을 체험할 수 있다. 가장 눈에 띄는 작품은 신작인 '할리 데이비슨 오토바이를 탄 인물(가제)'인데 자동차나 모터바이크에 대한 작가의 관심이 사진-조각의 인물상과 결합되어 제작되었다. 관람객들은 조각 표면에 어설프게 덧붙여진 2차원의 사진을 보며 이미지가 나타내는 진실과 허구, 그리고 나아가 '조각이란 무엇인가'에 대하여 생각하고 있다.

김홍석, Gimhongsok

김홍석은 조각, 회화, 설치, 비디오, 퍼포먼스 등 거의 모든 형태의 미술을 넘나들며 다양한 작품활동을 펼쳐 왔다. 이번 전시에서 그는 현대미술에 있어서의 차용의 문제, 언어와 시각예술과의 관계, 소통과 이해 등과 같은 문제들에 집중한다. 

두점의 조각작품 <개 같은 형태>와 <토끼 형태>는 제프 쿤스 (Jeff Koons)의 작품을 차용한 것이다. 그는 유명 팝 아티스트의 작품을 쓰레기 봉투, 쇼핑백, 골판지 상자 등과 같은 일상적 재료를 사용하여 유머러스하게 '재활용'함으로써 현대미술이 처한 상황을 비틀어서 보여준다. 조엘 샤피로 (Joel Shapiro)의 작품을 참고하여 만든 역시 이러한 맥락에 위치한다. 비디오 작품 <카메라 특정적-공공의 공백>과 <영문-공공의 공백>은 모니터 두 대로 이루어진 영상작품으로, 작가가 직접 드로잉한 8점의 공공조각과 그에 대한 8개의 에세이를 연기자가 설명하는 장면, 텍스트가 계속해서 이어지는 장면으로 구성되었다.

김홍석은 이 작품을 통해 실제로 볼 수 있는 조각과 연기자가 말로 설명하는 조각, 글로 설명되는 조각 작품이 같은 작품이되 모두 다른것이기도 하다는 모순을 드러내어 조각에 대한 이해에 새로운 방식을 제시하고 있다.

SaSa[44]

SaSa[44]의 작업에 대해 규정적인 설명을 하기란 그의 이름이 주는 느낌 만큼이나 난감하다. 매 전시마다 다른 주제를 분명한 논리로 매끈하게 구성해내는 SaSa[44]는 이번 Leeum 전시에 두 점의 작품을 출품하였다. 출품작들은 하나의 제의적 혹은 주술적 과정과 의미에서 비롯된다. 2010년 호랑이 해에 개최되는 전시를 '기념'하기 위한 작가의 의도는 전시실 내에 놓인 입체 삼각형의 '텍스트 모뉴먼트' 작품을 통해 확인할 수 있다. 호랑이에 대한 속담이 쓰여진, 옛 '해태 타이거즈'구단의 깃발을 연상시키는 이 조각은 호랑이에 대한 여러 가지 연상 작용을 일으키며 모뉴멘탈리티와 그것의 해체에 대한 작가의 짓궂은 시각을 담아내고 있다. 두 번째 출품작에서도 이러한 의도가 이어지는데 작가는 기념의 의미를 담은 케이크 퍼포먼스를 계획했다. 개막식 날에만 실물을 볼 수 있는 이 케이크는 거대한 기념비적 형태를 가지고 있지만, 관람객들에게 나누어져 먹는 행위를 통해 기념됨으로써 그 기념비성이 오히려 사라져 가는 역설을 실제로 경험하게 한다.

신미경, Meekyoung Shin

비누를 재료로 고대의 유물을 정교하게 복제해 내는 신미경의 작품은 원본과 복제, 과거와 현재, 예술과 일상과 같은 간단치 않은 경계의 문제를 다루고 있다. 그는 재료의 현대적 번역, 유물의 역사적 맥락의 재해석을 통해 작품의 의미 자체를 전환시킨다. 그는 이러한 과정을 '번역(Translation)'이라 한다. 크레이트에서 막 꺼내진 듯한, 혹은 막 포장을 앞두고 있는 것처럼 보이는 도자기들은 사실 비누 복제품이다. 전통적인 유물과 그 전시 방식에 익숙했던 관람객은 이러한 광경을 통해 낯섦과 의외성을 느낀다. 그의 작품은 또한 뜻밖의 장소에서 맞닥뜨릴 수 있다. 리움 내의 두 곳의 화장실에 놓여 있는 비너스상을 닳아 없어지게 함으로써 하나의 작품이 유구한 시간 속에서 마모되며 유물화 되는 과정을 압축적으로 경험하게 한다. 이러한 작업을 통해 재맥락화된 그의 작품은 현대미술의 맥락 속에서 새로운 아우라를 얻게 되었다.

잭슨 홍, Jackson Hong

디자이너로 출발하여 아티스트로 전환한 잭슨 홍의 작품은 사물과 예술의 경계에서 갈등하던 그의 생각을 그대로 반영한다. 그의 작품은 예술작품이기도 하면서 특정한 기능과 용처를 가지고 있는 기성품으로 보이기도 한다. 이번 전시에 출품된 <땀샘(Sweat Gland)>은 거대한 살구 빛 벽면에 향 분사기가 달린 거대한 구조물이다. 공간을 구획해 주는 동시에 기념비성을 띄는 이 벽은 유머러스한 반전을 담고 있는데 사실 이 벽면은 거대하게 확대된 사람의 피부를, 향 분사기는 땀 분비를 연상시킨다. 

이 은밀하고 사적인 요소들의 연상작용은 관람객들의 시각, 후각, 청각 그리고 촉각까지도 자극한다. <땀샘>과 더불어 전시장에 놓인 <욕조의자>는 작가가 미술관의 휴식을 위해 디자인한 1인용 라운지 의자이다. 공공의 장소에 비치된 이 의자에 앉으면 곧 '욕조'라는 사적인 공간으로 고립되도록 만들어져 결국 공적인 공간과 사적인 공간 사이의 충돌이 일어난다. 이렇듯 특정한 역할이 부여된 '기능적 시설물'로서의 벽체와 의자는 예술과 사물의 경계를 교묘하게 피해 다니며 미술관 안팎의 경계 짓기를 거부하고 다양한 의미의 층위를 만들어 낸다.

소피 칼, Sophie Calle

소피 칼은 작가이자 설치미술가, 개념미술가, 사진가, 영화감독, 심지어는 사립탐정에 이르기 까지 다양한 역할을 하면서 진실과 허구의 경계에 서서 이야기 꾸미기를 즐긴다. 정규 예술 교육을 받은 적이 없는 그녀는 독학으로 사진을 익혀 1980년대부터 본격적으로 사진과 텍스트로 이루어진 작품세계를 펼쳐 왔다. 이번 전시에 출품된 는 1994년에 출판된 "진실된 이야기 (True Stories)"에 속하는 하나의 장으로, 칼 자신과 남편의 만남과 헤어짐에 대한 기억을 담았다. 10개의 사진과 텍스트로 이루어져 있는 각 장면에는 각각 남편과의 언쟁, 라이벌의 등장, 거짓 결혼식, 그리고 결별과 이혼의 기억 등이 나타난다. 그리고 여기서 칼의 남편으로 등장했던 그렉 셰퍼드(Greg Shephard)와 칼은 '결별'의 텍스트 내용처럼 실제로 미국을 횡단하는 여행을 담은 영화를 제작했다. 이 이야기는 '진실된 이야기'의 한 부분 이지만 그의 다른 작품들처럼 허구적 상상이 공존하고 있다. 따라서 진실이기도, 또 아니기도 하다. 그의 작품은 진실과 허구의 경계에 서서 무엇이 맞는지 고민하기 보다 이 진짜와 거짓의 게임을 함께 즐길 때에 매력을 느낄 수 있다.

디르크 플라이쉬만, Dirk Fleischmann

독일 태생의 디르크 플라이쉬만은 아티스트이자 비지니스맨이다. 그는 하나의 수익성 프로젝트를 기획하고 거기서 생긴 이윤을 다음 작품에 투자하는 작업 방식을 선보여 왔다. 이번 Leeum 전시에서 플라이쉬만은 <나의열대우림농장(myforestfarm)>프로젝트의 전모를 알리고자 한다. 이는 2008년부터 필리핀의 한 농장을 기반으로 진행한 탄소감축 프로젝트로, 여기서 그는 국가간의 탄소배출권'이라는 실체 없는 거래에 주목하였다. 전시장의 바닥에 흰 목판으로 재단된 농장의 지형 위에는 농장에서 자라는 나무의 사진들이 흩어져 있고, 나무의 사진을 데이터로 담은 CD 1838장이 타워를 이루고 있으며 그가 '나무'라고 생각하는 이 CD를 찍은 사진들이 벽에 걸렸다. 전시실 어디에도 농장의 실체는 존재하지 않는 대신 관람객은 농장 지형 위에 설치된 컴퓨터를 사용하여 인터넷을 통해 얻은 지식을 기반으로 실제의 농장을 파악하게 된다. 작가는 실체 없는 거래가 실제로 이루어지는 것처럼 현실과 가상, 실제와 모조의 관계, 나아가 기표와 시의의 관계를 시각화 하였다. 

플라이쉬만은 이 외에도 경품이 걸린 퍼포먼스 <마이스탑쇼(mystopshow)>를 선보인다. 작품 대신 많은 돈을 남기고 싶어하는 플라이쉬만의 작업은 아이러니하게도 실체가 없다. 이는 돈으로부터, 그 모든 얽매임으로부터 자유로운 예술이라는 개념 그 자체라고도 할 수 있다.

로랑 그라소, Laurent Grasso

프랑스 출신인 로랑 그라소는 주로 비디오 영상작품을 제작하는 한편 빛, 전기에너지 전파 등과 같이 눈에 보이지 않는 요소들을 시각화 하는 데에 관심을 두고 있다. 특히 그는 일련의 작업들을 통해 시간의 개념을 주제로 다루고 있는데 작업과정 속에 현대의 기술에 혼재되면서 시간을 다루면서도 특정시간에 종속되지 않는 특징을 가진다. 이번 전시의 출품작인 <미래의 기억들(Memories of the future)>은 과거와 미래를 가로지르는 시간 개념을 보여 주는 작품이다. Leeum의 현대미술관인 Museum 2 외벽에 설치되는 이 작품은 처음 시작되는 글자 "M"부터 마지막 "E"까지의 색이 다크블루에서 점차 옅은 색으로 사라지는 듯 변해간다. 작품의 제목이자 작품 자체인 '미래의 기억들'이라는 비상식적이며 비논리적인 문장은 관람자를 과거와 미래 시제를 결합한 모호한 시점으로 인도하며, 작품을 경험하는 지금 이 순간도 미래에는 과거가 될 것임을 상기시킨다. 우리가 알고 있는 모든 지식들은 사실 명확한 논리로 구분되지 않는다. 논리와 이성 뒤에 비가시적 세계가 분명히 존재함을 우리는 이미 알고 있기에 그라소의 작품이 가장 역설적 논리와 시적인 메시지가 신비한 매력으로 다가온다.

마이클 린, Michael Lin

마이클 린은 타이완의 전통적인 작물패턴을 모티브로 한 화려하고 섬세한 페인팅 작업을 해 왔다. 그의 작품은 전시실의 틀을 벗어나 특정한 공간에 대규모로 설치되는데, 주로 미술관의 외벽, 로비, 휴게실 등의 공공 공간으로 나아가 공간을 좀 더 역동적이고 친근한 장소로 변모시킨다. 그의 작품은 설치되는 환경에 따라 변화되며 그 장소의 맥락과 문화에 따라 다르게 감상된다. 이번 전시에서 작가는 리움 내부의 카페 벽면과 강당 옆 바닥에 화려한 문양으로 구성된 페인팅을 설치하여 공간에 생기를 부여하였다. 그의 작품은 감상의 대상인 동시에 관객이 직접 호흡하고 사용하는 장소에 밀착되어 하나가 된다. 드로잉부터 채색까지 수작업으로 이루어진 그의 작품은 대량 생산된 직물 패턴의 복제처럼 보이기도 하고, 벽면을 장식한 벽지나 바닥에 놓여진 카펫처럼 부이기도 하지만, 사실상 누구도 복제해 낼 수 없는 원본성을 가진다. 그리고 한편으로는 전시기간이 지나면 설치되었던 장소에서 사라진다는 역설적 특징을 가진다. 우리가 그의 작품을 감상하는 것은 곧 사라지게 될 하나의 경험 속에 머무는 것 과 같다.

창 킨-와, Tsang Kin-Wah

홍공출신의 작가 창 킨-와는 문장으로 패턴을 구성하여 자신의 메시지를 전달하는 작업을 해 왔다. 이 글자들은 세계에 대한 작가의 발언이나 다름없는데, 그는 '진실과 리얼리티란 무엇인가?'에 대한 의문에서 시작된 일련의 일관된 문제제기를 해 왔다. 이번 리움의 외부 유리벽 전체에 걸친 설치작업에서 그는 아름다움과 진실, 리얼리티에 관한 문장을 만들었다. 이는 한국사회에서 성형수술을 바라보는 관점과 아름다움 본연에 관한 생각들이다. 문양에 따라 어지럽게 병치된 문장에는 아름다움과 추함, 진실과 거짓의 경계 짓기의 모호함을 말하는 내용이 씌었다. 그는 장식적이고 표피적인 이미지를 이루고 있는 문장 속에 진실과 리얼리티, 아름다움의 허상에 대한 우리의 이중잣대를 드러남으로써 관람객들을 당황하게 만든다. 영원한 아름다움, 영원한 진실이 없는 것처럼 이 작품은 전시기간이 끝나면 실체는 사라지고 개념만이 남는다. 그가 말하고자 한 진실과 허상의 문제가 작품의 존재방식 자체에서도 효과적으로 드러나고 있는 것이다.