박광성 개인전 Kwang Sung Park : To Have and To Be

박광성의 회화: “소유와 존재”(Avoir and Être/To Have and To Be)

정연심 (홍익대학교 교수)

박광성은 1991년 프랑스로 이주한 이후 한국 화단과 많은 교류를 가지지 않았다. 한국 태생의 작가로 유럽과 북미 등에서 국제적으로 활동한 이력에 비하면 국내 화단에서 그의 이름은 여전히 낯선 존재이다. 국내에서 개인전을 충분히 할 수 있는 화력과 국제 화단의 인정에도 불구하고, 긴 시간 동안 해외에서 디아스포라 작가로, 스스로를 규정해왔다고 할 수 있다. 그는 스스로를 철저하게 고립시키는 행위를 통해 치열한 작가정신을 구축하며 ‘소유’와 ‘존재’에 대한 화두에 답하기 위해 그림을 그려왔다. 그것은 삶의 본질에 대한 질문이기도 하다. 

박광성의 그림은 ‘소유와 존재’라는 철학적 화두를 캔버스 표면 위에 각인시키고 축적시킨다. 그에게 존재한다는 것은 결국 실존의 문제와 삶의 부조리를 표출하는 방식에 있는 것으로 샤르트르의 본질을 모색하려는 긴 여정이기도 했다. 그러한 여정은 해외에서 오랫동안 노마드 작가로 살아가면서 느껴온 정체성에서만 느껴지는 것이 아니라 본질적으로 그의 그림(picture)이 보여주는 회화적 붓 터치와 그림의 텍스쳐, 흔적에서 감지되는 것이다. 멀리서 보면 박광성의 작업은 우연한 방식으로 초점을 흔들리게 찍은 디지털 사진과도 같은 착각을 불러일으킨다. 멀리서 보았을 때는 깊은 블랙의 심연 안에서 한 인간이 빛을 향해 고군분투하며 표출하는 것 같은 생명의 약동을 느낄 수 있다. 이 모든 것은 단순하게 회화의 표면 위에서 일어나고 있다. 

박광성이 1980년대 말, 1990년대 초 실험미술가로 활동하기 시작했던 때 한국미술계는 단색화라는 추상 미술과 예술의 정치적 실천과 개입을 강조했던 민중미술로 양분화 되기 시작했던 시점이었다. 1980년대 후반 소그룹활동이 시작했을 때 그가 본 회화는 여전히 서구의 영향에서 벗어나지 못하는 답보상태를 보였는데, 박광성은 이러한 상황을 극복하기 위해회화론을 구축한 주요 미술 무대였던 파리로 유학을 가게 된다. 여기에서 그는 다양한 모티프를 실험하게 되지만, 초기 한국에서 엿보였던 작업의 경향은 거의 사라지고, 블랙, 화이트, 그리고 그 안에서 미묘하게 생겨나게 되는 그레이 컬러라는 세 가지 컬러에 집중하게 된다. 멀리서 보면 이 세 색채는 단순해 보인다. 그러나 가까이 가서 표면을 관찰하는 순간, 선과 선의 경계를 완화시키는 부드러운 선의 흐름은 그가 손목을 유연하게 움직이고 호흡을 가다듬은 순간까지도 상상할 수 있을 정도로 붓놀림 자체가 보여주는 ‘기(氣)’를 느낄 수가 있다. 그의 작업은 유화가 가진 가장 완벽한 마티에르를 보여주면서도 동양화의 전통에서 발견할 수 있는 수묵의 깊은 맛이나 일필휘지의 그림에서도 쉽게 발견할 수 있는 묵의 번지는 효과나 분위기를 잘 전달한다. 풍경화의 경우 캔버스에 그려졌지만 한지에서 볼 수 있는 번지는 효과나 여백과 묵이 상호 침투하는 매체적 효과를 잘 표현하고 있다. 

작가가 선택하는 모티프는 아주 단순하다. 인물이나 풍경, 누드라는 단순한 모티프를 선택했지만 그는 특정 인물의 개별성, 구체적인 풍경화의 사이트(site), 특정 여성이나 남성의 젠더를 강조하는 누드를 보여주지 않는다. 박광성의 인물들은 우리의 기억을 환기시키고 소환해내는 어떤 여성, 어떤 남성의 아우라를 전달한다. 그것은 특정성, 개별성, 익명성 등과 같은 정체성과 연관된 것이 아니라 그 인물들이 전달하는 이미지의 소환, 이미지에 대한 기억이 전달하는 분위기를 드러내고 있다. 숨겨진 것이 표면으로 떠오르는 것처럼 백색의 터치는 어두움에서 느껴지는 빛처럼 따뜻하다. 블랙과 화이트의 강렬한 콘트라스트는 작가 특유의 스푸마토 기법에 의해서 완벽한 콘트라스트를 절제시킨다. 회화의 표면은 그 자체의 전율과 아우라를 전달하며 인간의 태동 이전의 원초적인 생명이나 존재까지 느끼게 한다. 그의 그림에 등장하는 인물은 특정인을 염두에 둔 것은 아니지만 특정인이 아니기 때문에 우리가 언뜻 보았던 우연적 인물들을 연상시킨다. 

서양이 주도해온 회화의 본질에 한국 출신인 그가 스스로 구축할 수 있는 회화의 자율성과 의미는 무엇인가. 이러한 물음 앞에 그는 1991년 한국에서 당시 실험작가로 대두될 무렵 바탕골 미술관 전시를 마지막으로 한국 미술계를 포기하고 프랑스와 독일을 기점으로 활동을 하기 시작했다. 프랑스에서 회화를 다시 공부하고 독일 에센에서 작업하면서 박광성은 단 하나의 질문을 집요하게 던져오고 있는 것 같다. 그것은 회화의 본질이란 무엇인가. 그리고 캔버스라는 이차원적 평면 안에 화가 스스로 내던지는 철학적 화두는 무엇인가. 화가는 그림으로 화두를 시각적으로 보여주는 것이라면 그림의 표면과 붓은 무엇을 그려내고 보여줄 수 있는가. 

박광성은 이러한 질문 속에서 캔버스의 표면과 붓에서 그 해답을 찾은 것 같다. 동양의 수묵 전통 속에서도 붓은 문인들의 정신과 기를 표출해주는 매개 역할을 했다. 붓은 바로 신체의 대리물이며, 넓게는 정신의 대리물이었다. 문인들이 동양화에 시를 넣어서 그들의 정신을 글로 표현했다면, 박광성은 회화적 이미지, 회화적 표면을 통해 가장 오랫동안 인간들이 고민해왔던 존재의 문제, 소유에 대해 화답하고 있는 것이다. 그러니, 그가 회화를 통해 구축한 그림은 작가의 긴 삶의 여정이 녹아 있는 철학적 글쓰기, 철학적 사유로서의 회화인 것이다. 그가 다양한 소재를 다루지 않고, 인물, 풍경 등 몇 가지에 한정하는 이유도 결국 그에게 그림을 그리는 행위는 생각하는 행위의 기록인 것이다. 그의 그림에서 울림, 떨림, 전율, 흔적, 기억, 회귀, 소환, 아우라 등이 남는 이유는 박광성의 회화가 기록하는 바로 이 특이성(singularity) 때문일 것이다.

Opening Reception

2017년 10월 19일 Thu 5pm

출처 : 소피스갤러리